Alors que de nombreux peintres choisissent de recréer les personnes ou les objets immobiles qui les entourent, l'artiste Betty Acquah capture la vie en action. Elle utilise des échantillons de couleurs vives et des motifs fascinants pour illustrer le rythme et la beauté des danses dans son pays natal, le Ghana.

Le style distinct d'Acquah ressemble à la fois aux touches de peinture expressives de Van Gogh et au pointillisme précis de Seurat. Sa palette de couleurs soigneusement organisée est appliquée sur la toile avec d'épais coups de pinceau rectangulaires, voyageant autour des personnages et vers les bords de la toile. En conséquence, ces vortex vifs communiquent l'énergie des personnages en mouvement. “L'arrière-plan fait écho au mouvement des figures et crée donc une surface pulsante qui donne vie à la composition”, dit-elle. “En étendant des touches de couleur dans le sujet à l'arrière-plan et vice-versa, une illusion de mouvement est créée.”

Tous les personnages des peintures d'Acquah portent des vêtements traditionnels qui correspondent à leurs performances. Cependant, leurs visages se fondent dans les éclats de couleur. Ce faisant, l'artiste insiste sur le fait que ces danseurs sont en pleine routine. “Les femmes sont les héroïnes méconnues de la République ghanéenne”, explique Kuaba Gallery, qui représente l'artiste aux États-Unis. “Les images qu'elle dépeint parlent de femmes ordinaires qui travaillent courageusement pour un Ghana prospère.”

Vous pouvez voir les peintures d'Acquah en personne à la galerie Kuaba à Carmel, Indiana.

L'artiste ghanéenne Betty Acquah capture des figures dansantes et en mouvement dans sa série de peintures colorées.

Elle arrange des échantillons de couleur dans des motifs fascinants pour créer un sens du rythme sur la toile.

Galerie Kuaba : Site Web | Facebook | Instagram

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L'artiste céramiste Carol Long capture la délicate complexité de la nature dans ses sculptures en céramique détaillées. Ses formes organiques avec leurs becs torsadés et leurs anses tourbillonnantes prennent souvent la forme d'insectes et d'animaux sauvages. Et sinon, les navires sont sûrs d'avoir un hommage au caractère spectaculaire de la flore et de la faune quelque part sur leurs surfaces. Chaque pièce ornée est minutieusement fabriquée à la main, qu'elle soit jetée sur la roue ou qu'elle les construise à partir de dalles et d'extrusions.

Vient ensuite le moulage et la mise en forme méticuleux de la pièce dans sa forme finale, parsemée de motifs d'ornementation complexes qui imitent ceux qui se produisent naturellement dans la nature. Tout, des ailes de papillon et des oiseaux aux chenilles et aux chrysalides, se perche sur l'art céramique de Long. “La plupart de mes formes commencent par une pièce jetée”, a déclaré Long à My Modern Met. “J'aime pousser les formes pour qu'elles aient l'air fluides, étendre les poignées dans l'espace, glisser les motifs de surface et de glacis pour rassembler l'ensemble de la pièce. C’est peu technologique et long.”

Lorsqu'elle a fini de les sculpter et qu'elles ont complètement séché, chaque pièce est ensuite émaillée et cuite en cône 5. À ce réglage, le four atteint des températures de plus de 2 100 degrés Fahrenheit; et ce qui était autrefois de l'argile molle et malléable est solidifié dans sa configuration finale. “Mais”, explique l'artiste, “ensuite, je passe beaucoup de temps à les salir pour avoir l'air vieilli et leur donner une apparence atmosphérique magique.”

Les récipients en céramique de Long, qu'il s'agisse de vases imposants ou de petits bols à couvercle, parviennent à capturer la fluidité et l'expressivité du médium avec leurs lignes courbes. Les œuvres d'art texturées prennent presque une vie propre, comme des créatures fantaisistes issues de la nature et des propres mains de l'artiste.

Faites défiler pour voir des images des magnifiques sculptures en céramique de Long. Pour en savoir plus sur l'artiste, retrouvez-la sur Facebook et Instagram. Sa poterie est également disponible à l'achat sur Etsy.

L'artiste céramiste Carol Long crée des sculptures en céramique détaillées qui capturent la beauté de la nature.

Toutes sortes de faune et de flore se retrouvent dans ses sculptures en céramique.

Chaque chef-d'œuvre complexe est méticuleusement fabriqué à la main à partir d'argile brute, et les résultats finaux sont époustouflants.

Carol Long Pottery : Site Web | Instagram | Facebook | Etsy

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L'artiste David Zinn donne vie au trottoir avec ses charmantes petites illustrations de personnages à la craie. Pendant des années, nous avons été captivés par ses personnages adorables qui interagissent avec l'environnement qui les entoure. Zinn n'a pas ralenti depuis. Il est prolifique et crée des œuvres d'art qui utilisent de l'herbe et des fissures dans le trottoir dans des illusions d'optique qui révèlent des cochons volants, de petits rongeurs et même des extraterrestres parmi les passants.

Alors que de nombreux artistes ont dû réduire leurs plans en raison de la pandémie, l'art public en plein air de Zinn lui a permis de poursuivre son travail à Ann Arbor, Michigan. Il a utilisé son voisinage immédiat comme une « toile » géante pour son art, trouvant des endroits où ses personnages peuvent s'asseoir et profiter de la vue. Mais certaines de ses pièces les plus accrocheuses utilisent le sol et un autre objet. Des feuilles dressées entre des briques offrent à l'un de ses personnages récurrents, une souris nommée Nadine, des ailes pour qu'elle puisse voler.

“Dans l'ensemble, je suis reconnaissant qu'il existe des opportunités pour des bêtises joyeuses même au milieu de cette période très étrange”, a déclaré Zinn à My Modern Met, “et chanceux que mon art à la craie soit quelque chose que je puisse faire (et que d’autres personnes peuvent en profiter) en toute sécurité et à distance sociale.”

Si vous souhaitez apprendre à dessiner comme Zinn, il a sorti un nouveau livre intitulé Chalk Art Handbook qui contient toutes ses ‘astuces et secrets’. Il est maintenant disponible via Bookshop. Pour plus, assurez-vous de consulter la boutique en ligne de Zinn.

L'artiste David Zinn crée des œuvres d'art à la craie sur le trottoir qui interagissent intelligemment avec l'environnement.

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Il n'est pas facile de créer un objet en trois dimensions dans un support en deux dimensions, mais l'artiste An Jae-hyun montre comment il le fait dans sa série d'illustrations étape par étape. Le professeur d'art basé en Corée utilise des formes, des perspectives et des mesures pour créer des dessins réalistes de différents objets qui semblent sortir de la page.

Des bouteilles de soda en verre à une bague en diamant en passant par un papillon, Jae-hyun montre comment chacun de ces sujets uniques et complexes peut être décomposé en formes simplifiées. “Les papillons peuvent être facilement dessinés sous diverses formes en les pliant et en les dépliant dans la structure de nouilles”, explique-t-il dans un post Instagram. L'artiste montre ensuite comment les formes géométriques doivent être manipulées en fonction de l'angle de l'objet.

Jae-hyun fait de l'illustration finale l'élément principal de la feuille de papier. Cette version terminée ressemble toujours à une version à échelle de gris de la réalité, comme si elle était suffisamment réelle pour être touchée. L'ombrage incroyablement doux et le dessin au trait habilement traité montrent la maîtrise de la discipline par l'artiste. Il se porte garant que chacun peut améliorer son dessin s'il s'exerce à utiliser les bases le plus souvent possible.

Faites défiler pour voir d'autres dessins réalistes de Jae-hyun et restez au courant des dernières œuvres de l'artiste en le suivant sur Instagram.

L'artiste coréen An Jae-hyun crée des dessins au crayon incroyablement réalistes qui semblent sortir de la page.

An Jae-hyun : Instagram

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Ian Strange, 2021, “LIGHT INTERSECTIONS II,” Installation Publique, Sydney Australie. (Images avec l'aimable autorisation de l'artiste.)

L’artiste transdisciplinaire Ian Strange s’est fait un nom grâce à ses œuvres inspirantes qui explorent les éléments de l’architecture, de l’espace et de notre concept de foyer. Dans l’une de ses œuvres les plus récentes, intitulée LIGHT INTERSECTIONS II, l’artiste transforme une maison victorienne délabrée, située en bordure de Sydney, en Australie, avec une installation lumineuse frappante. Ian Strange transfigure la façade couverte de graffitis du bâtiment, transformant la perspective linéaire en faisceaux de lumière qui perforent l’extérieur du bâtiment et percent ses murs intérieurs.

“Les lignes de lumière dans Intersections sont une tentative de remplacement des lignes de perspective abstraites dans l’environnement”, explique l'artiste. “Ces lignes de perspective n’apparaissent pas dans la nature, mais sont des éléments de base de la peinture, du dessin et de l’architecture, utilisés pour contenir, représenter et changer l’environnement naturel.”

Ian Strange est peut-être mieux connu pour ses interventions architecturales à grande échelle qui déstabilisent notre compréhension de l’utilité et de la fonction de certains environnements construits. Et dans la même veine, ce travail sert à éclairer cet édifice négligé d’une perspective nouvelle, à la fois au sens propre et au sens figuré. “Tous mes projets proviennent d’une pratique du dessin, explique l’artiste. Je me suis donc toujours intéressé à la façon dont la ligne dessinée se manifeste dans le monde réel, en particulier la façon dont les architectes et les artistes utilisent les lignes de perspective pour interpréter et aussi changer le paysage.”

LIGHT INTERSECTIONS II a été commandée par la Ville de Sydney dans le cadre d’une série d’œuvres d’art public et s’inscrit dans la continuité d’une série en cours qui a débuté avec l’installation lumineuse de 2019 au Lyon Housemuseum, juste à l’extérieur de Melbourne. Ian Strange a terminé cette dernière version du projet en collaboration avec la firme de design australienne OFFICE et la société de production Scoundrel Projects. Ensemble, ils ont conçu plus de 120 mètres d’éclairage LED et d’acier d’ingénierie afin de créer l’illusion que les faisceaux de lumière flottaient dans les airs en pénétrant la maison à deux étages.

Découvrez des images de l’installation lumineuse spectaculaire d'Ian Strange ci-dessous. Pour en savoir plus sur l’artiste, visitez son site Web ou suivez-le sur Instagram. Vous pouvez également en apprendre davantage sur LIGHT INTERSECTIONS II en lisant l’essai qui l’accompagne, intitulé Threads of Vision, du professeur agrégé de l’Université de Melbourne, Rory Hyde.

L’artiste transdisciplinaire Ian Strange a créé une installation lumineuse spectaculaire dans une maison victorienne délabrée.

Le projet est intitulé LIGHT INTERSECTIONS II.

Les faisceaux de lumière qui se croisent représentent les lignes de perspective linéaire qui sont abstraites puis réinsérées dans la structure.

Ian Strange : Site Web | Instagram | Facebook | Twitter

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“I Crochet Portland,” 2006-2009, 63 x 114 in.

L’artiste écossaise Jo Hamilton repousse les limites du crochet avec ses “peintures en crochet.” Ses sujets vont des portraits étonnamment colorés aux paysages urbains minutieusement cousus avec du fil recyclé. Ses œuvres textiles nuancées jouent avec la couleur, la ligne, et la texture, elles contestent nos perceptions traditionnelles du crochet comme une forme d’art. Sans doute une pionnière dans le domaine de l’art du crochet figuratif, Hamilton utilise son travail pour commenter les questions complexes qui affligent la société aujourd’hui, se concentrant particulièrement sur la crise climatique imminente. En fait, l’œuvre la plus récente de l’artiste, qui a été exposée en novembre dernier, porte un regard critique sur la relation tendue de l’humanité avec l’environnement et l’impact dévastateur qu’elle a sur notre planète.

“Transitory Trespass traite de mes sentiments au sujet de la façon dont la race humaine interagit avec le monde naturel, en l’idéalisant et en le détruisant à la fois”, raconte Hamilton à My Modern Met. “Dans ma préoccupation (et ma légère obsession) concernant la crise climatique liée à la pollution par le plastique, j’ai aussi commencé à recycler le plus possible de déchets plastiques pour en faire du “plarn” mon travail.”

Le “Plarn” (contraction de “plastic” et “yarn”) est un fil fabriqué à partir d'objets tels que les sacs en plastique jetables et d’autres déchets plastiques courants. Hamilton le fait elle-même en coupant les poignées et le bas des sacs en plastique et en formant des boucles qui sont ensuite nouées pour former des fils à deux brins. L’artiste s’est engagée il y a des années à cesser d’acheter du fil neuf en raison de la pollution créée au cours de son processus de fabrication et de l’impact négatif qu’elle a sur l’environnement. Au lieu de cela, elle utilise seulement son plarn maison et tout fil régulier qu’elle peut trouver d’occasion.

Cela ajoute une autre dimension à son travail, qui va au-delà de simplement commenter sur ce sujet, en devenant une partie de la solution. Cependant, Hamilton sait qu’il reste encore beaucoup à faire. “Bien que je me sente un peu mieux de réutiliser certains déchets plastique, je pense que le fardeau de la crise devrait incomber aux fabricants, aux entreprises et, ici, aux États-Unis, au gouvernement fédéral”, explique l’artiste.

“Masked : Yoghurt, Turmeric Fragments,” 2014, 42 x 28 in. (Photo : Kevin McConnell)

Du processus laborieux de création de son propre plarn à l’échelle et à la complexité de chacune de ses pièces, on ne peut qu’imaginer la quantité de temps et d’efforts impliqués pour chaque composition extraordinaire.  Chaque point sert un but plus large : faire réfléchir les gens et réévaluer l’impact que nos vies et habitudes quotidiennes ont sur le monde autour de nous.

“J’espère que les sujets et les matériaux pourront nous aider à reconsidérer notre relation avec le monde artificiel et le monde naturel, et que nous serons en mesure de nous retirer du “monde rapide”. . . l’approche du point de bascule où les déchets artificiels de l’obsolescence programmée éteindront le monde naturel, et nous pour de bon”, déclare Jo Hamilton. “J’espère que ma façon très lente de travailler, en opposition au rythme effréné de la vie moderne, pourra nous encourager à ralentir, à apprécier ce que nous avons et à atténuer la faim de plus de choses.”

Faites défiler vers le bas pour voir des images des superbes œuvres aux crochet de Hamilton. Son travail sera de nouveau exposé l’an prochain en octobre 2022 à la Timeless Textiles Gallery en Australie. D’ici là, gardez un œil sur de nouvelles œuvres en suivant l’artiste sur Instagram. Et vous pouvez même commander votre propre œuvre en visitant le site Web de l’artiste.

L'artiste écossaise Jo Hamilton crée des œuvres d’art au crochet complexes qui commentent les grandes questions sociétales, comme le changement climatique.

“Cherry Steel Above and Below,” 2017, 68 x 122 in. (Photo : Kevin McConnell)

“No Man’s Coverage,” 2021, 23 x 39 in. (Photo : John Clark)

“Death Star PDX,” 2018, 45 x 52 in. (Photo : John Clark)

“Western Tattooed Man Moth,” 2021, 20 x 39 in. (Photo : John Clark)

Chaque pièce est réalisée à partir de fil de seconde main ou fait à partir de plastique recyclé.

“Shining Mountain Eclipse,” 2021, 41 x 91 in. (Photo : John Clark)

“Shine Me Shine You,” 2017, 43 x 82 in. (Photo : Kevin McConnell)

L'art en crochet complexe de Hamilton, en particulier ses portraits, pousse les limites de l’artisanat traditionnel comme un moyen artistique.

“Masked : Groucho Gia,” 2013, 51 x 36 in.

“Masked : Metamorphic,” 2021, 31 x 21 in. (Photo : John Clark)

“Masked : The Flower of My Radiation Burn,” 2017, 28 x 21 in. (Photo : Kevin McConnell)

“Masked : Marbled,” 2021, 24 x 18 in. (Photo : John Clark)

Jo Hamilton : Site Web | Instagram | Facebook

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“Wet Hair 2”

Parmi les nombreux sujets qu'un artiste peut peindre, l'eau est l'un des plus difficiles. Le liquide a un moyen de fracturer la lumière et de déformer tout ce qui y est submergé, en particulier les personnes. Cela peut rendre difficile la représentation précise de quoi que ce soit dans l'eau, mais pas pour l'artiste Johannes Wessmark. Il est passé maître dans l'art de peindre des personnages flottant dans l'eau. Sa série de peintures photoréalistes présente ses sujets parfaitement à l'aise dans les piscines car la lumière tachetée illumine non seulement leurs corps mais aussi les piscines elles-mêmes.

Lorsque vous regardez l'une des pièces de Wessmark, vous pourriez penser que vous regardez une photo. Son travail est techniquement irréprochable. Ses peintures incluent tous les détails auxquels vous ne pensez pas lorsque vous regardez quelqu'un sous l'eau ou qui a les cheveux mouillés, mais l'ajout des traits peints de Wessmark est ce qui rend chaque pièce si réaliste. L'un des meilleurs exemples est dans Wet Hair 2. Grâce à la surbrillance, vous avez une idée du poids des cheveux pressés contre la tête de la femme.

Wessmark a eu un intérêt particulier pour la représentation de l'eau au cours de sa carrière de créateur de plusieurs décennies. “C'est l'un de mes sujets préférés depuis de nombreuses années”, a-t-il déclaré à My Modern Met. “Quand j'ai commencé à peindre des femmes, il est venu tout naturellement de les mettre dans l'eau. J'aime à la fois la beauté de la forme féminine et le défi de peindre l'eau en mouvement et en reflet. C'est devenu plus ou moins mon signum même si j'ai peint de nombreux autres sujets au cours de mes 30 années en tant qu'artiste professionnel.”

Si vous souhaitez posséder l'une des peintures de Wessmark en tant qu'impression de haute qualité, assurez-vous de consulter sa boutique Inprnt pour voir ce qui est disponible.

L'artiste Johannes Wessmark crée des peintures photoréalistes de personnes dans des piscines.

“Wet Hair”

“Azur Blue”

“Submerged”

“Wet Lace”

“Weightless”

Johannes Wessmark : Site Web | Instagram | Facebook | Inprnt

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L'artiste abstrait Tyler Foust est connu pour ses dessins au trait complexes formés d'une ligne continue et sans intersection. Une citation sur son site Web le surnomme même “l'artiste mieux classé de Reddit”, et il n'est pas difficile de comprendre pourquoi. “Les lignes dirigent les yeux et peuvent créer des illusions intéressantes”, a déclaré Foust à My Modern Met. Et c'est pourquoi l'artiste est fasciné par le dessin au trait depuis son enfance. Mais cette fascination ne l'a pas immédiatement conduit à poursuivre la vie d'artiste. En fait, ce qui n'était au départ qu'un passe-temps pour garder son esprit concentré pendant les cours magistraux a finalement évolué en un style unique de création artistique qui est tout à fait captivant par sa complexité enchevêtrée.

“Nos cours durent quatre heures, et je savais que je ne serais pas en mesure de consacrer mon attention aux cours aussi longtemps à moins de trouver une activité qui me garderait l'esprit sous contrôle”, a déclaré Foust à propos de son temps en tant qu'étudiant diplômé en Administration de la santé. “Alors, j'ai eu cette idée de dessiner des lignes répétitives pendant les cours. Je créerais quelques règles simples qui dictaient où placer mes lignes afin que je n'aie pas à mettre beaucoup de cerveaux dans l'art. L'idée était de s'appuyer sur le « pilote automatique » sans prédétermination de ce à quoi ressemblerait la pièce finale.”

L'artiste s'est assuré d'expliquer ce qu'il faisait à ses professeurs à l'avance pour s'assurer qu'ils savaient que cette activité le maintenait engagé plutôt que de créer une distraction. Et lorsque sa cache de dessins a commencé à devenir une collection assez importante, Foust a décidé de commencer à documenter ses créations sur Instagram avant de les jeter à la poubelle. L'artiste n'a commencé à comprendre la valeur de son travail que lorsqu'il a vu les réactions qu'il recevait sur les réseaux sociaux, un ‘étranger sur Internet’ proposant même d'acheter plusieurs de ses pièces pour des centaines de dollars.

À partir de ce moment, Foust a commencé à prendre son travail un peu plus au sérieux et s'est même efforcé de développer et d'affiner son propre style unique. “J'ai décidé de recréer mon style en composant des images construites à partir d'une ligne qui ne se croise pas”, explique l'artiste. “Par une ligne, je ne veux pas dire que je n'ai pas levé le stylo. Je veux simplement dire que l'image elle-même était composée d'une ligne géante. Je suis tombé amoureux du style une ligne et j'ai commencé à incorporer des formes avec l'espace négatif.”

Plus tard, après qu'une société étrangère a commencé à vendre ses œuvres d'art sur des vêtements sans sa permission, Foust a commencé à cacher sa signature (TFOUST) quelque part à l'intérieur de chacune de ses pièces d'une ligne. Ensuite, il s'est rendu compte qu'il pouvait en fait cacher beaucoup plus et a commencé à disperser une variété d'images cachées dans ses dessins au trait, y compris tout, des animaux à divers objets et même des noms.

Et parce que chaque pièce est si complexe, chacun des dessins au trait de Foust commence comme un brouillon détaillé. “Le brouillon est la partie la plus importante car une fois que je m'engage sur la pièce finale, je ne peux pas faire d'erreurs”, explique l'artiste. “Je ne peux pas effacer le stylo sur la toile. Avec les pièces les plus complexes, je passe beaucoup de temps à déterminer où déplacer ma ligne ensuite. L'aspect le plus difficile est d'essayer de ne pas couper mon chemin de ligne. C'est comme jouer à Snake, mais perdre est beaucoup plus frustrant.

Mais malgré cela, Foust a appris à apprécier chaque pièce du puzzle qui entre dans la création de l'une de ses œuvres d'art complexes. Cependant, cela n'a pas toujours été le cas. “Ironiquement, je n'ai jamais apprécié les cours d'art à l'école”, admet Foust. “J'ai toujours eu l'impression que l'accent était mis sur un produit final, et cela m'a stressé… Le moment où j'ai commencé à exceller de manière spectaculaire a été le moment où j'ai réalisé comment apprécier le processus plus que mes attentes du résultat final. Une fois que j'ai maîtrisé ce concept, mon style s'est formé de manière organique.”

Faites défiler pour voir certaines des œuvres complexes de dessin au trait continu de Foust et voyez si vous pouvez trouver les objets cachés dispersés dans ses compositions de dessin au trait. Pour en savoir plus sur l'artiste, suivez-le sur Instagram. Et vous pouvez même vous offrir une de ses œuvres en visitant sa boutique sur Etsy.

L'artiste abstrait Tyler Foust crée des dessins au trait complexes et inclut même des objets cachés dans ses compositions complexes.

L'artiste cache également sa signature dans chacun de ses dessins au trait.

Chaque pièce est dessinée à l'aide d'une ligne continue qui ne se coupe pas.

Tyler Foust : Site Web | Instagram | Etsy

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L'artiste australienne Jessica Watts célèbre tout ce qui est féminin dans sa série de peintures colorées. Elle utilise un style de collage distinct pour fusionner des représentations de la figure féminine avec des fleurs vibrantes, des motifs de papier peint botanique et des scènes de la nature.

Avant de devenir peintre, Watts a travaillé comme directrice artistique publicitaire à Sydney et à New York pendant près de 20 ans. Pendant ce temps, elle a rassemblé un éventail d'accessoires au design exquis, notamment des tampons en caoutchouc vintage, du papier peint et des manuels de typographie. Plus tard, lorsque Watts a décidé de faire de la peinture sa carrière à temps plein, elle a utilisé ses souvenirs comme source d'inspiration pour sa première série créative.

“Mes peintures enquêtent sur les clichés de genre et se concentrent sur le positif et le beau”, a déclaré Watts à My Modern Met. “Ma collection de papiers peints des années 40 a été l'inspiration pour ma série Wallflower, un grand groupe d'œuvres qui représentent le corps féminin immergé à la fois dans la nature et dans une décoration domestique courante : le papier peint”, poursuit-elle. “Ces deux thèmes parlent au féminin, d'une manière magnifique et puissante.” Son autre série, In the Raw, présente les mêmes mélanges de portraits de fleurs et de femmes peints à l'huile et à l'acrylique sur du bois de feuillus australien fait à la main avec des cadres personnalisés.

Non seulement Watts célèbre l'expression féminine dans son travail, mais elle lui donne également un pouvoir qu'elle n'a pas normalement. “Alors que l'idée traditionnelle d'une giroflée est une fille timide qui attend d'être choisie, ces femmes sont au centre de la scène; elles sont maîtres d'elles-mêmes, confiantes et fortes”, explique-t-elle. “Je joue avec des motifs et des fleurs et des oiseaux aux couleurs vives pour accentuer le lien avec la nature. De même, en masquant les personnages de fleurs, je m'efforce de les capturer d'une manière qui montre que la beauté concerne davantage le caché que le révélé.”

Vous pouvez acheter des œuvres d'art et des impressions originales via la boutique en ligne de Watts et vous tenir au courant de ses derniers projets en suivant l'artiste sur Instagram.

L'artiste australienne Jessica Watts crée des peintures exquises qui fusionnent les fleurs avec la silhouette féminine.

Jessica Watts : Site Web | Facebook | Instagram

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Certains couchers de soleil sont si spectaculaires qu’on voudrait les mettre en bouteille et les garder pour toujours. L’artiste Carly Glovinski l’a fait, en un sens. À travers sa série Canning the Sunset, Glovinski recrée les magnifiques couchers de soleil qu’elle voit, dans des bocaux. Avec les délicates couches de sable coloré et les tourbillons parfaitement encapsulés, chaque pot semble nous transporter au moment où Glovinski a été témoin de ces paysages époustouflants.

Canning the Sunset a commencé pendant la pandémie. “Il y a un endroit idéal pour regarder les couchers de soleil, au-dessus d'un champ de ferme sur le chemin de mon studio”, dit Glovinski à My Modern Met, “et c’est devenu ce rituel parce que nous ne pouvions rien faire pendant la pandémie. Le coucher de soleil est donc devenu un événement auquel il fallait se rendre et un moyen de marquer le temps.”

Le coucher de soleil a une dualité. D’une part, c’est une constante dans nos vies; le soleil plonge sous l’horizon chaque jour, et souvent il passe inaperçu. Mais d’un autre côté, lorsqu’il est si lumineux et si beau, l’événement semble très evanescent. “Chaque jour, le coucher de soleil marque le ciel d’une couleur éphémère, glissant derrière l’horizon comme des grains de sable à travers un sablier”, explique l'artiste. “Tenter de le capturer, de le contenir ou de le posséder est un geste futile et impossible.”

L’artiste voit les bocaux et leur contenu comme des symboles pour de plus grands motifs dans l’existence humaine. “En considérant les souvenirs comme des objets qui tentent de préserver un souvenir du lieu et du temps, cette œuvre demande une réflexion sur le temps qui passe et notre abandon à ce cycle perpétuel du jour et de la nuit”, explique-t-elle. “En considérant les souvenirs comme des objets qui tentent de préserver un souvenir du lieu et du temps, je recrée des images du coucher de soleil sur du sable coloré. Cet acte de les conserver dans des bocaux de verre recyclés fait également un lien avec la mise en conserve et la mise en place de rations pour les périodes de pénurie.”

L’artiste Carly Glovinski résume la beauté fugace du coucher de soleil en le recréant dans des bocaux de sable coloré.

Chaque “coucher de soleil en conserve” est une sorte de capsule temporelle, préservant la mémoire d’un beau ciel.

Carly Glovinski : Site Web | Instagram 

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